Анализ картин эпохи возрождения

Джорджоне – ученик Джованни Беллини, художник, считающийся  первым мастером Высокого Возрождения  в Венеции, принадлежал к породе мечтателей. В стиле Джорджоне  есть общее и с Рафаэлем и с  Леонардо да Винчи: Джорджоне «классичен», ясен, уравновешен в своих композициях, а его рисунку свойственна  редкая плавность линий. Но Джорджоне  лиричнее, интимнее, у него есть качество, искони свойственное венецианской школе  и поднятое им на новую ступень - колоризм. Любовь венецианцев к чувственной  красоте цвета привела, шаг за шагом, к новому живописному принципу, когда материальность изображения  достигается не столько светотенью, сколько градациями цвета. Отчасти, это уже есть у Джорджоне 

Он обессмертил  свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая  Венера», «Сельский концерт». 

5. Величайший представитель  венецианской школы - Тициан Вечеллио (ок. 1489/90-1576), ставший после преждевременной  смерти Джорджоне, в мастерской  которого он обучался, главой  венецианской школы. Общим для  Джорджоне и раннего Тициана  является ярко выраженный светский  характер живописи и жизнеутверждающие  мотивы. В отличие от мрачных  флорентийцев, венецианцы, кажется,  находят в жизни только светлые  стороны. Гармоничная, богатая  оттенками живопись Джорджоне  выражает поэтическое чувство  влюбленности в красоту земного  бытия, единство человека и  природы.  

При жизни Тициан получил признание в Европе. Ряд  значительных работ был выполнен Тицианом по заказу европейских монархов и папы римского. Работы Тициана  привлекают новизной решения прежде всего колористических и композиционных задач. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части  композиции. Наиболее известные работы Тициана: «Кающаяся Магдалина», «Любовь  земная и небесная», «Венера», «Даная», «Святой Себастьян» и др. Галерея  выполненных им портретов современников  была предметом глубокого изучения и подражания для последующих  поколений европейских живописцев. 
 

3. Поздний Ренессанс  – вторая треть XVI – первая  половина XVII в 
 

Период Позднего Возрождения отмечен рядом важных изменений в искусстве. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения.  

Среди крупных основоположников маньеризма называют Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавших преимущественно в жанре  портрета. К маньеризму целиком можно  отнести творчество Якопо Тинторетто (1518-1594), представителя венецианской школы Позднего Возрождения, пытавшегося  соперничать с Микеланджело в  грандиозности замыслов. Он создает  ирреальный мир, в котором всегда присутствуют личные эмоции художника.  

1. Понтормо Якопо  (1494-1557) – основатель так называемого  маньеристического, или антиклассического  направления. Термин маньеризм  в своем основании имеет слово  "манера", то есть способ  или характер письма, в узком  смысле - стиль художественного произведения.  

О полном и совершенном  владении мастером самыми передовыми приемами тогдашнего искусства свидетельствует  фреска на вилле Медичи в Поджо-а-Кайяно, созданная Понтормо в 1519-1520 годах. Тут  изображены крестьяне, отдыхающие в  самых непринужденных позах светлым  теплым днем под сенью древесных  ветвей. Четыре человека и собака располагаются  возле низкого и очень приближенного  к передней плоскости изображения  парапета, остальные сидят на парапете, на ветвях дерева. Сразу над парапетом  видно небо. Колорит отличается необыкновенной легкостью, воздушностью. Во фреске тесно  сплавлены черты позднеренессансного  стиля и новые идеи Понтормо. С  одной стороны, в свободных позах  художник передает столь ценимую  Возрождением естественную пластику человеческого  тела, но, с другой, - сложность поворотов  фигур и разнообразие ракурсов доведены им до такой степени, что они уподобляются отвлеченным, музыкально-выразительным  формам.  

Наибольшее место  в творчестве Понтормо занимают глубоко  трагические образы, выразившиеся прежде всего в его церковных росписях и картинах, В созданном в 1525-1528 годах «Положении во гроб» для  церкви Санта Феличита во Флоренции  все новые художественные идеи, которые  мы заметили во фреске Поджо-а-Кайяно, достигают своего полного развития. Действие разворачивается на фантастическом нейтральном фоне. Фигуры громоздятся  одна над другой вдоль плоскости  картины, причем они как будто  лишены тяжести, словно парят в различных  позах. Колорит строится на чистых, диссонирующих между собой красках. Они положены крупными пятнами и  создают мистическое освещение. 

Понтормо был одним  из первых рисовальщиков Италии, причем рисунок является едва ли не самой  замечательной частью его творческого  наследия. В какой-то степени такое  заключение основывается на том, что  рисунки сохранились в большем  количестве сравнительно с живописными  произведениями и на особенной свободе  проявления в рисунке фантазии и  экспериментального духа его искусства. В человеческом отношении, как и  в своем искусстве, Понтормо представляет собой новый, неизвестный Ренессансу тип художника.  

Влияние, оказанное  Понтормо на последующее развитие искусства, громадно. Среди его прямых учеников выделяется А. Бронзино. 

2. Представителем  венецианской школы является  великий живописец Паоло Веронезе (1528-1588), создавший множество праздничных,  светских по духу картин, тем  не менее применял маньеризм  к декорированию дворцов уже  как сознательный прием, разрабатывая  одну из самых любимых тем  маньеризма - фантастический пейзаж  или пейзаж с руинами. 

Его кисти принадлежат  известные картины – это «Брак  в Кане Галилейской», «Пир в доме Левия». Веронезе очень любил писать сцены пиров и собраний, на которых  изображал всю роскошь тогдашней  Венеции. Любимым сюжетом Веронезе была «Тайная вечеря». 

Значение Веронезе огромно. Он великий колорист и несравненный мастер изображения человеческого  тела в самых смелых и эффектных  ракурсах и первый по размаху подлинный  декоратор. Росписи дворцов французских  королей, германских князей и российских императриц так или иначе ведут  свое начало от плафонов и панно  Веронезе, от его живописи, но никогда  не превосходят её. В поздний период творчества искусство Веронезе начинает испытывать воздействие кризисных  тенденций: появляется холодная парадность, формальная патетика, хотя лучшие работы даже этих лет продолжают сохранять  очарование жизненности и декоративно-колористическое  богатство. В некоторых произведениях  последних лет появляются настроения смутной тревоги, скорби и драматизма, вообще не характерные для мироощущения мастера. Изысканный, утонченный колорит  его становится менее насыщенным. 

3. Одним из крупнейших  живописцев Венеции был Якопо  Робусти, по прозвищу Тинторетто (1518—1594), создавший свой художественный  стиль, Его сложные композиции  с обилием фигур и действием  больших масс, находящихся в стремительном  движении, полны динамизма и экспрессия («Процессия св. Урсулы», «Битва  при Заре»). Ему свойственно трагическое  восприятие жизни, вызванное разладом  между идеальным и реальным. Свои  сюжеты Тинторетто черпал главным  образом в античной мифологии  («Вакх», «Спасение Арсинои», «Ариадна»,  «Венера и Вулкан», «Происхождение  Млечного Пути», «Меркурий и  три грации» и др.). Позднее  он обратился к библейской  тематике. Картины этого периода  проникнуты некоторой долей мистицизма («Введение Марии во храм»,  росписи в здании братства  св. Рокко). Тинторетто работал непрерывно, напряженно и самозабвенно, нередко  бесплатно. Выразителен поздний  автопортрет художника – седобородого  старца с огромными печальными  глазами. 

4. Основоположником  реалистического направления в  европейской живописи XVII века является  Микеланджело да Караваджо (1573-1610). Полотна мастера отличаются простотой  композиции, эмоциональным напряжением,  выраженным через контрасты света  и тени. Караваджо первым противопоставил  подражательному направлению в  живописи (маньеризму) реалистические  сюжеты народного быта.  

Он писал натюрморты, большие полотна на сложные темы, сцены из повседневной жизни («Фруктовщик», «Укушенный ящерицей мальчик» и др.). Обращаясь к религиозной тематике, он наделял святых человеческими  страстями, воспевал прекрасное и трагическое («Видение Савла», «Мученическая смерть св. Петра», «Мадонна со змеей» и др.), вызвав осуждение церковников. Караваджо  открывал новую страницу в истории  искусства. Народный, светский характер живописи, блестящее мастерство художника  прославили его имя не только в  Италии, но и за ее пределами. 

По существу, Караваджо  стал инициатором крупного переворота в живописи, повлиявшего даже на иностранных художников. Его искусство  оказало огромное влияние не столько  на итальянцев, сколько на ведущих  западноевропейских мастеров ХVII века - голландцев, фламандцев, французов, испанцев: Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджизм породил два популярных жанра: натюрморт и сцены из народной жизни, ставших особенно популярными в Европе. Европа приняла новаторский дух итальянца, а в Италии Церковь решительно отвергла натурализм Караваджо. И, видимо, не случайно, потому что итальянское Возрождение уже завершилось. Италия сказала практически все, что могла сказать. Наступила очередь североевропейского Возрождения. 

5. Доменико Теокопули  (1541-1614) (таково настоящее имя Эль  Греко) легендарный мастер, судьба  которого таинственна и полна  чудес. Его живопись занимает  совершенно особое место в  истории европейского искусства.  Эль Греко - один из выдающихся  живописцев позднего Возрождения,  автор полотен на религиозные  и мифологические сюжеты и  жанровых полотен. 

Творческая мощь и своеобразие художественного  метода Эль Греко наиболее полно  проявились во время работы над огромным алтарным образом «Похороны графа  Оргаса», написанным по просьбе его  друга-священника Андреса Нуньеса  для церкви Святого Фомы. В этом полотне художником воплощена легенда  о чуде, якобы происшедшем в XIV веке во время погребения кастильского вельможи графа Оргаса. Согласно преданию, граф Оргас пожертвовал церкви большие  сокровища и желал быть погребенным  именно в церкви Святого Фомы. После  его смерти в 1312 году во время похорон  свершилось чудо: спустившиеся с небес  святой Стефан и блаженный Августин собственными руками предали погребению тело благочестивого графа. 

Благодаря алтарным картинам «Троица», «Воскресение Христа»  и др. художник приобрел широкую  известность.  

В 1579 г. для толедского собора Эль Греко исполняет «Эсполио» («Снятие одежд с Христа»). Композиция имела невиданный успех. 

Эль Греко был  выдающимся портретистом. В Толедо он создал целую портретную галерею  своих знаменитых современников: кардинала  Таверы, ученого А. де Коваррубиаса, поэта И. де Себальоса. Один из самых  знаменитых — портрет инквизитора  Ниньо де Гевары. Свою красавицу-жену, аристократку Иерониму де Куэвас, художник запечатлел на полотне «Портрет дамы в мехах». На многих картинах изображен  их единственный сын Хорхе Мануэль.  

Главным мотивом  творчества Эль Греко всегда оставались религиозные картины, исполненные  для церквей, монастырей, госпиталей Толедо, Мадрида и других городов. Художника занимают мотивы мученичества святых («Мученичество св. Маврикия»), тема «святого семейства» («Святое  семейство»), сюжеты из жизни Иисуса Христа («Несение креста», «Моление о  чаше»). Особое место в искусстве  Эль Греко занимают образы святых; художник нередко изображает их беседующими  друг с другом («Св. Иоанн и св. Франциск», «Апостолы Петр и Павел»). В творчестве Эль Греко нашли отражение местные предания, связанные с христианской верой и христианской церковью («Погребение графа Оргаса»).  

Поздние работы Эль  Греко («Лаокоон», «Снятие пятой  печати»), в которых воображение  художника принимает причудливые, ирреальные формы, не были поняты современниками. Последней значительной работой  Эль Греко стал пейзаж «Вид Толедо». 
 

Заключение 
 

Ренессанс (Возрождение) (Renaissance), эпоха интеллектуального  и художественного расцвета, который  начался в Италии в XIV веке, достигнув  пика в XVI веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.  

Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям  античного мира (хотя интерес к  римской классике возник ещё в XII веке), появился в XV веке и получил  теоретическое обоснование в XVI веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов  и зодчих. В это время сложилось  представление о царящей в  природе гармонии и о человеке как венце её творения. 

Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили  традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец XIV века; Донателло, начало XV века). Реалистическое изображение человека стало главной  целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо. Изобретение способа  передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности.