Стиль Сецессион Ар-нуво,Арт-деко и Либерти в архитектуре и изобразительном искусстве начала XX века

 Природная  декоративность Ар нуво способствовала  его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью  он использовался для украшения  практически каждого мыслимого  предмета потребления ручной  работы и массового тиража, также  фасадов зданий и оформления  интерьеров многих магазинов,  ресторанов и частных особняков. 

Яркими примерам дизайна в стиле ар нуво являются интерьерные работы бельгийцев Виктора  Орта и Генри Ван де Вельде, интерьеры  и мебель фантастических домов испанца  Антонио Гауди, оформление интерьеров в особняках архитектора Ф.О.Шехтеля; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, интерьеры, решетки  и мебель в Мюнхене Августа  Энделя, Берхарда Панкока; витражи работы Луис Комфорта Тиффани; изделия из стекла и мебель Эжена Галле, мебель французких дизайнеров-мебельщиков Луи Мажореля, Виктора Пруве, Эжена Валлена, Жака Грубера и др.

Стиль ар нуво достиг высшей точки своего развития на рубеже 19–20 вв., но затем был вскоре забыт  – ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к  машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов  уступил место геометрическим, ничем  не украшенным поверхностям зданий начала 20 в. Ар нуво вышел из моды и был  открыт заново только пятьдесят лет  спустя.  
 
 

2.2. «Сецессион»  

«Каждому времени - свое искусство, каждому искусству - своя свобода» («Der Zeit Ihre Kunst - Der Kunst Ihre Freiheit»). 

    Стилистическое течение в искусстве Австрии периода Модерна конца XIX - начала XX вв. Название возникло оттого, что в тот период искусство Вены, как и другого центра искусства - Мюнхена, воплощало в наилучшей форме самые передовые художественные идеи Юго-Восточной Европы. Город жил в музыкальном ритме. Венская архитектура периода Историзма середины и второй половины XIX в. в творчестве Г. Земпера и К. Э. фон Хазенауэра подошла к решению новых градостроительных задач. «Изделия прикладного искусства, создававшиеся в этом городе, не знающем суеты, свидетельствовали о присущей Вене культуре и непринужденном юморе. Их отличала богатая декорировка поверхностей, иногда даже чрезмерная, которая сочеталась с искусным выполнением деталей и нередко смелым, даже грубоватым подбором цветов...

Эпитет, который  можно было бы применить к этим изделиям, относится и к самим  венцам. Они были очаровательны». Как и в эклектической архитектуре, эта пестрота, избыточность цвета и разно-стильность декора, насыщенность орнаментами в разных этнических традициях из составлявших Австро-Венгерскую империю стран - Богемии, Моравии, Хорватии, Далмации, Галиции, Боснии - стимулировали художников на резкий поворот от пережитков Бидермайера и «стиля Рингштрассе» к строгому и рациональному «новому английскому стилю». Великий герцог Райнер в 1858 г. поручил Р. фон Айтельбергеру разработать план учреждений для Вены, первых на территории континентальной Европы, по образцу Южно-Кенсинг-тонского музея и художественно-промышленной школы, созданных в Англии Г. Земпером. Уже в следующем году открылась первая выставка Императорского и Королевского музея искусства и промышленности. В 1867 г. в Вене создано Училище художественных ремесел, которое возглавил архитектор Отто Вагнер (1841-1918), после чего оно стало ведущим в Европе.   

  Вагнер был выдающимся архитектором, создателем новой венской архитектурной школы, теоретиком и педагогом. В 1894-1914 гг. он преподавал в Венской Академии изящных искусств, где, развивая идеи рационализма, воспитал целое поколение художников венского модерна, среди них: Я. Котера, И. Хоффманн, М. Фабиани, И. Плечник, П. Янак. В 1898 г. в знак протеста против академической рутины основано венское отделение общества «Сецессион». В следующем году к нему примкнул О. Вагнер. «Стиль практической полезности» (нем. Nutzstil), разработанный Вагнером и его учениками, сочетал простые геометрические формы с минимумом декора. Этот стиль отличался от извилистых линий «удара бича», придуманных А. Ван де Велде и В. Орта в Брюсселе и X. Обристом в Париже. Венские художники дали миру свой региональный вариант искусства Модерна, мало похожий на стилистику французско-бельгийского Ар Нуво. Венский модерн складывался под влиянием как английского, так и восточного искусства. В 1898 г. в Вене проходила выставка английской мебели XVIII в., изделий мастерских Т. Чиппендейла, Дж. Хэпплуайта и Т. Шератона. В 1901 г.- выставка шотландского художника Ч. Макинтоша и продукции возглавляемой им «школы Глазго».

    Влияние вагнеровской школы сказалось на сложении стиля петербургского и московского Модерна, оно заметно во многих работах Ф. Шехтеля в Москве. Стиль прямых линий, квадратов, окружностей и «шахматной клетки» характерен для творчества Йозефа Хофф-манна (1870-1956), лучшего ученика О. Вагнера и организатора «Венских Мастерских». За пристрастие к геометрическим формам этого художника прозвали «дощатым», «квадратным Хоффманном» («Quadratl Hoffmann»), В 1912 г. Хоффманн основал по типу германского австрийский Веркбунд - союз промышленников и художников. Лучшее и самое характерное произведение Хоффманна-архитек-тора - дом банкира и собирателя произведений искусства А. Стоклё в Брюсселе (1905-1911). Используя многообразие сочетаний чистых плоскостей, облицованных мрамором, квадратов и прямых линий, выступов и ритмических «сдвигов», архитектор создал выразительный образ в стиле геометрического течения Модерна. Дом Стоклё называют «музеем Сецессионизма». В оформлении его интерьеров принимали участие многие художники «Венских Мастерских»: Г. Климт, К. Мозер, М. Повольни, Ф. Метцнер, Р. Лукш, Е. Маковская.

 Если О.  Вагнер и И. Хоффманн не отрицали  возможность традиционных форм  декора и орнамента, то австрийский  архитектор А. Лоос (1870-1933) вообще  отказался от всяких «орнаментов как детского лепета живописи» и «искусства дикаря». Лоос изучал архитектуру в Дрездене, Париже, Нью-Йорке и Чикаго и своими дерзкими «американскими проектами» еще до Первой мировой войны заложил основы нового течения. И. Ольбрих (1867-1908) официально не был учеником О. Вагнера, но работал в его архитектурном бюро в Вене. В 1898-1899 гг. И. Ольбрих выстроил в центре Вены новое выставочное здание Сецессиона, поразившее венцев своим необычным видом. Оно состоит из нескольких массивных кубических объемов, над которыми вознесен изумительный ажурный купол, сверкающий на солнце тысячами золоченых лавровых листьев. Членения здания экономно подчеркнуты лаконичным «вагне-рианским» орнаментом. Формальная изысканность и сила контрастов как нельзя лучше выражали творческие устремления венских «сецессионистов». На фасаде здания, над входом золотыми буквами начертаны слова: «Каждому времени - свое искусство, каждому искусству - своя свобода» («Der Zeit Ihre Kunst - Der Kunst Ihre Freiheit»).

 С 1899 г. Ольбрих работал для Дармштадтской колонии художников, проектировал здания, мебель, оборудование интерьеров. В 1906 г. И. Ольбрих разработал модель корпуса нового автомобиля фирмы «Опель» в стиле плавно изогнутых линий и ясных, чистых поверхностей и таким образом оказал существенное влияние на формирование европейского дизайна. В 1908 г. в венском Императорском музее искусства и промышленности состоялась выставка, убедительно доказавшая, что венский модерн не только успешно миновал витиеватые формы Ар Нуво, но также избежал деструктивных крайностей германского югендштиля. Не случайно в то время стали чаще говорить не о «венском модерне», а о «венском дизайне». Характерны для венцев и «приятные исключения».

    Снова вошла в моду венская гнутая мебель фирмы «Тонет», причем не самые рациональные, а дорогие образцы - с инкрустацией перламутром по черному дереву. В этой мебели заметны не столько английские, сколько восточные влияния. В ювелирном искусстве, одежде, изделиях из металла продолжали использоваться драгоценные камни, цветные эмали, кораллы, бисер, жемчуг, кружева, многоцветные вышивки. Самым ярким воплощением нового венского стиля стал живописец Г. Климт (1862-1918). Этот художник казался не столько живописцем, сколько «монументалистом-ювелиром». В живопись он вводил золотой фон, мозаику, эмали, прочеканенную латунь и медь и даже инкрустацию кораллами и перламутром. Для картин-панно Климта характерны яркие цвета: красный, синий, зеленый, фон из мелких квадратов и прямоугольников. На таком фоне он размещал по-декадентски изогнутые и манерные фигуры. В 1903 г. для актового зала Венского университета Г. Климт создал панно «Философия» и «Медицина». Они вызвали такой взрыв негодования, что художник вынужден был их убрать. Обнаженные женские фигуры, которые любил изображать Климт на своих «византийско-японских» мозаичных фонах, были не только декадентскими, но и вызывающе, откровенно эротичными - в позах и движениях, нечастых в истории изобразительного искусства.

    Необычность  сочетания смелости, изысканности  формы с явными издержками  вкуса, особенно в цвете, существенно  дополняет расхожие представления  о сдержанном и рациональном, геометрическом стиле венского  модерна.

2.3. «Арт деко» 

Стиль Art Deco получил  распространение в 1918-1939 гг. во Франции, отчасти в других европейских  странах и США. Толчком к стремительному развитию этого стиля послужила  парижская выставка 1925 г., где показывались последние достижения в области  архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики. Для этой выставки знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей конструктивизма  и функционализма, спроектировал  и построил павильон «Эспри Нуво» (франц. «Esprit Nouveau» - «Новый дух»); знаменитый художник Р. Лалик - фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и «стеклянный интерьер» павильона Севрской фарфоровой мануфактуры. Если для архитектора Ле Корбюзье его произведение знаменовало отход от конструктивизма к идеям, позднее получившим название «неопластицизма», то для ювелира Р. Лалика - эволюцию от прихотливо изогнутых линий и флореалъных стилизаций Ар Нуво к более простым геометрическим формам. В целом стиль «Art Deco» можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну «интернационального стиля». В искусстве Art Deco продолжаются излюбленные темы и мотивы Модерна - точнее стиля Ар Нуво, - извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами. Во всем чувствуется какая-то усталость, пресыщенность, но кроме этого и устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета. Именно эти качества отличают интерьеры, оформленные по проектам Ж. Деламара, архитектурно-дизайнерские разработки Р. Малле-Стевенса, ювелирные изделия мастеров парижской фирмы Картье. С искусством Модерна рубежа XIX-XX веков стиль Art Deco объединяет и желание многих художников (исполняющих волю богатых заказчиков) создать иллюзию благополучия и «роскошной жизни» в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами. Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое. Духовная растерянность и смешение эстетических критериев, будто предвещавших ужасы второй мировой войны и пустоту первых послевоенных лет, заслонялись сознательной, программной эклектикой ретростилей. В ход пошли элементы Ампира, архаики египетского и крито-микенского искусства, соединялись находки декораторов Русских Балетных Сезонов в Париже, живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского и примитивного африканского искусства. Открытие искусства Амарны, гробницы египетского фараона Тутан-хамона (1922), оказывали на вкусы людей столь же сильное воздействие, как и обтекаемые формы новейших локомотивов и автомобилей. Интерьеры, оформленные в стиле Art Deco, производят впечатление не композиции, а суммы отдельных компонентов, группировки «стильных вещей» - мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника». Такие интерьеры создавались «с шиком» 1920-х годов, дорогих отелей и ресторанов и потому иногда их стиль называют «стилем Риц» (англ. Ritz Style). Показательно, что первая выставка художников-сюрреалистов состоялась в Париже в том же 1925 г. В декоративных росписях Art Deco и вновь вошедших в моду витражах и мозаике изображались женские «извращенные фигуры» в экспрессионистски изломанных движениях, деформированные - с фантастически развитой «мужской» мускулатурой. В «эпоху потерянного поколения» особенно ценились дорогие экзотические материалы: слоновая кость, черное - эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже «шкурки ящериц» и кожа крокодила. В поздних формах стиль Art Deco сближается с геометрическим конструктивизмом.

Арт Деко начинался  с упоения роскошью и орнаментом, но впоследствии этот стиль изменил  направление в сторону концепции функционального дизайна, впервые выдвинутой Баухаузом, и это произошло, когда немецкие дизайнеры прибыли в Америку, спасаясь от преследований в фашистской Германии, и привнесли свои идеи в американскую школу Арт Деко. В 1930-40 годах США охватила мода на "модерн" в стиле Арт Деко. Обтекаемые силуэты новой мебели, такой как в голливудских фильмах, пользовались огромной популярностью. Количество предметов ручной работы было ограничено, но был налажен выпуск огромного потока недорогих изделий Арт Деко. Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов из гнутой фанеры. Ручки изготавливали из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. Возникла необходимость в многофункциональной мебели "чем компактнее, тем лучше". Ступенчатый силуэт, характерный для многих работ Франкла, прост и компактен. Прямоугольные очертания соотносятся с модернистскими направлениями , в то время как использование драгоценных пород дерева напоминает о традициях французских краснодеревцев. 

В 1933 году Марсель  Бройер, будучи членом Баухауза, создал первый обтекаемый стул из стальных трубок. Его проект был задуман еще  в 1928 году. Находясь под впечатлением от руля своего велосипеда, Бройер первым применил стальные трубки в производстве мебели. Свободнонесущая конструкция  кресла, делающая ненужными ножки, для  того времени была революционной. Популярность этой формы, некогда считавшайся  величайшим достижением конструкторов, привела к бесконечному ее повторению и копированию. Поэтому сейчас она  выглядит совершенно обыденно. В некотором  смысле, это кресло, изготовленное  из хромированных стальных трубок, крашенного дерева и парусины, ознаменовало окончательный разрыв с традициями, конец эпохи Арт Деко и приход "интернационального" стиля.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

2.3.1.Известные художники и дизайнеры Арт-Деко 

Адольф Мурон  Кассандр (1901—1968) фр. Adolphe Jean Marie Mouron Cassandre

Жан Дюнан (1877—1942) фр. Jean Dunand

Жан Дюпа (Jean Dupas)

Эрте (Ромэн де Тиртофф) (Erté /Romain de Tirtoff)

Вадим Меллер (1884—1962) русск. Вадим Георгиевич Меллер

Александра Экстер (1882—1949) русск. Александра Александровна  Экстер (Григорович)

Соня Делоне (1885—1979)

Элейн Грей (Eileen Gray)

Георг Йенсен (Georg Jensen)

Рене Лалик (1860—1945) фр. René Jules Lalique

Жорж Барбье (1882—1932) (George Barbier)

Жюль Лёлё (Jules Leleu)

Тамара де Лемпицка (1898—1980) польск. Tamara Łempicka

Пол Мэншип (Paul Manship)

Эмиль-Жак Рульманн (Émile-Jacques Ruhlmann)

«Süe et Mare»

Уолтер Дорвин Тиг (Walter Dorwin Teague)

Карл Пол Дженневейн (Carl Paul Jennewein) 
 
 
 
 
 
 

2.3.2. Известные архитекторы Арт-Деко

Эрнест Кормье (Ernest Cormier)

Раймонд Худ (Raymond Hood)

Ле Корбюзье (фр. Le Corbusier)

Уильям ван  Элен (William van Alen)

Уирт К. Роуленд (Wirt C. Rowland)

Джозеф Санлайт (Joseph Sunlight)

Пабло Антонио (Pablo Antonio)

Ральф Уокер (Ralph Walker)

Эли Жак Кан (Ely Jacques Kahn) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

2.4. «Либерти» 

ЛИБЕРТИ СТИЛЬ - (англ, liberty style) – одно из названий «стиля модерн» в Западной Европе конца XIX - начала XX вв. Английский коммерсант А. Л. Либерти, представитель торговых фирм на Востоке, в 1875 г. открыл в Лондоне магазин, торговавший предметами искусства Китая и Японии. Произведения восточного искусства – фарфор, лаки, ткани, японские гравюры – с их чистотой линий, тончайшими нюансами цвета и изысканной стилизацией природных форм привлекали внимание эстетов на фоне хаоса, эклектики «викторианского стиля», господствовавшего в Англии второй половины XIX в. Позднее в магазине «Либерти» продавались изделия молодых английских художников, близкие восточному искусству. Фирма «Либерти» имела столь значительное влияние, что в Англии некоторое время произведения искусства Модерна именовали «стилем либерти». Особенно распространенным это название было в Италии из-за активной деятельности миланского отделения торгового дома «Либерти». После международной выставки в Турине в 1902 г. , основные сооружения которой были возведены в «новом стиле» по проекту архитектора Р. Д'Аронко (1857-1932), стиль либерти получил всеобщее признание. Выдающимся художником итальянского стиля либерти был К. Вугатти (1855-1940). Его называли «восточным романтиком». К. Бугатти создавал образцы мебели необычной формы с росписью и инкрустацией с восточными мотивами, оформлял интерьеры «в китайском духе». Из архитекторов известны Дж. Коппеде и А. Сант-Элиа, организовавший в 1912 г. в Милане группу художников «Новые тенденции» (итал. «Cita Nuova»). Два года спустя Сант-Злиа стал основоположником движения футуризма в итальянской архитектуре.