Авангард в искусстве ХХ века

     Символом  же движения стало творчество испанского художника Сальвадора Дали (1904 – 1989 г.г.). Трудно назвать другого художника, о котором слагалось бы такое  количество мифов, как о Дали. Пожалуй, сам он считал существование на публике еще одной гранью творчества и потому постоянно провоцировал скандальный интерес к своей особе. Но сегодня ясно, что этот универсальный мастер – живописец, график, скульптор, писатель, поэт, сценарист, действительно занимает уникальное место в художественной культуре XX века. На протяжении всей жизни он черпал образы в ярких воспоминаниях детства. В таких работах как «Частичная галлюцинация: шесть портретов Ленина на фортепиано» (1931 г.), «Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании» (1936 г.), «Пылающий жираф» (1936 г.), «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944 г.), прочитывается четкость и абсолютная продуманность композиционного и колористического строя. Совмещение реальности и бредовой фантазии как бы конструировалось, а не рождалось вдруг, по воле случая.

     В американский период художник приступил  к циклу картин на религиозную  тематику. «Искушение Святого Антония» (1946 г.), «Мадонна порта Льигат» (1949 г.), «Открытие Америки Христофором Колумбом»  (1959 г.) и др. создали ему славу «католического живописца». Сам он говорил, что в католической религии его пленило «редкое совершенство замысла».

     Также ярким представителем сюрреализма  является Хоан Миро (1893 - 1983 г.г.). «Самым красивым пером на шляпе сюрреализма» назвал испанского художника Миро основатель течения Андре Бретон. Буквы, слова, надписи прочно вошли в живописный словарь Миро. Подчас прихотливо бегущие кудрявые строчки становились, наряду с линией, основным выразительным средством, как в картинах - поэмах 1925 г. «Ах, это один из тех, кто все это сделал», «Звезды и улитка».

     Во  второй половине 30-х годов в работах  Миро исчезла обычная для него мирная интонация. В предчувствии трагических  событий, а затем и с началом  гражданской войны в Испании сознание художника переполнилось оскаленными монстрами, отталкивающими личинами. Все они, вопящие, корчащиеся, угрожающие и страдающие, воплощались в его работах. Волнистые линии и выразительные пятна-кляксы подчас воспринимаются как абстрактные элементы композиции, но Миро всегда опровергал такое понимание своего творчества. «Для меня форма никогда не бывает абстрактной,- говорил художник. – Она всегда – звезда, человек или еще что-нибудь». Художник, несомненно, создал свой собственный стиль – праздничный, наивный и ироничный, способный на волшебное преображение и открытие и при этом полный доброй надежды.  

     9. Абстрактный экспрессионизм 

     Абстрактный экспрессионизм сформировался на Американском континенте. С началом Второй мировой войны многие звезды европейского авангарда ( Пит Мондриан, Макс Эрнст, Андре Бретон, Сальвадор Дали и др.), что не могло не отразиться на обшей художественной обстановке.

     Один  из основателей абстрактного экспрессионизма - Аршил Горки (1904 – 1948). Увлекшись  автоматизмом и примитивной символикой Миро, Горки тоже стал населять свои полотна некими плавающими в отвлеченном живописном пространстве фигурками.

     Еще более смело использовал метод  спонтанного автоматизма Джексон  Полок (1912 – 1956 гг.). Он отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику назвали дриппинг (« капающий»). Дриппинг стал одним из методов живописи действия.

     «Живопись действия» отвергала традиционно окрашенную поверхность картины. Краска появлялась на полотне или на бумаге как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что любое бессознательное действие есть отражение характера и психологического состояния художника, и именно в этом заключается смысл изображения.

     Один  из характерных признаков абстрактного экспрессионализма – крупный  масштаб работ.

     Произведения  Барнетта Ньютмана (1905 – 1970 гг.) обычно строились на контрасте вертикальной цветной полосы и обширного яркого поля. Создавая их, художник помимо соотношения между «лентой» и общим красочным фоном учитывал и соразмерность всей картины в целом с масштабом стены, на которой она будет висеть. Таким образом стирались границы между живописью и реальным пространством.

     Фрэнк Стелла (родился в 1936 г.) много экспериментировал с формой полотен. Срезая углы и, по сути, превращая картины в многоугольники, он покрывал их цветными полосами. Геометрическая декоративность в его работах стала самодовлеющей.

     К 70-м годам абстрактный экспрессионизм как направление прекратил свое существование.  

10. Поп-арт 

     Термин  «поп-арт» - «популярное, общедоступное  искусство», как и само направление, родился в кругу английских художников «Независимой группы» Института  современного искусства в Лондоне  в середине 50-х годов XX столетия.

     Поп-арт  сразу же получил известность  за океаном и очень скоро стал символом американского искусства. Уже в 1955 г. на «Фестивале двух миров» в Италии демонстрировалась кровать  с подушкой и одеялом, выкрашенными масляной краской,- произведение американца Роберта Раушенберга, вызвавшее взрыв негодования зрителей. В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой знакомый зрителю предмет: мусорное ведро, недоеденный бутерброд, чучело курицы.

     Самым известным произведением и своего рода визитной карточкой поп-арта стала натуральная консервная банка с томатным супом. Его автор, американец Энди Уорхолл (1928 – 1987 г.г.), говорил: «Почему вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? Только потому, что для вас это привычная условность. Я привлекаю внимание к абстрактным свойствам вещей».

     Поп-арт  хорошо прочувствовал потребность  в новом, общедоступном искусстве. Он пользовался узнаваемыми понятиями  и предметами. Это направление  различно по стилистике. К примеру, Том Вессельман использовал сплошные, ровные цветовые пятна, а Рой Лихтенштейн свои живописные изображения уподоблял газетной печати, тщательно воспроизводя зерна растра. Но для всех работ характерны большой масштаб, четкий, яркий рисунок.

     Поп-арт  оказал огромное влияние на развитие современного искусства, его традиции сохраняются и в настоящее время. 

11. Гиперреализм 

      На  выставке гиперреалистов зритель может  растеряться:  написанные краской  картины выглядят точь-в-точь, как  фотографии большого формата. И художники  – гиперреалисты вовсе не скрывают своих пристрастий к фототехнике. Более того, возникшее на рубеже 60 - 70-х годов в США течение в начале и называлось фотореализмом. Термин «гиперреализм» появился лишь некоторое время спустя. Гиперреалисты писали акриловыми красками, благодаря которым поверхность картин приобретала глянец фотоснимка. Они считали, что в отличие от любых других направлений, в том числе и поп-арта, их творчество наиболее доступно для понимания, так как фотографии есть в каждом семейном альбоме. Действительно, их картины чрезвычайно популярными, ведь там все было «как жизнь». От поп-арта гиперреализм унаследовал использование «чужой» техники интерес к самым обыденным происшествиям и предметам. Огромные холсты выглядят как рекламные щиты. Панорамы чрезвычайно редки, обычно укрупненно представлены некие детали. И если многие фотографы, чьим работам присущи образность, эмоциональность, справедливо претендуют на звание художников, то в картинах гиперреалистов нет чувств, переживаний, которое, по их мнению, «способны исказить объект». Их мир, стерильный и бездушный, существует без конфликтов, тревог, радостей. Фотографическая достоверность деталей только подчеркивает холодную отчужденность изображаемого. Преувеличивая предмет в буквальном смысле слова, художник придает мимолетному впечатлению от него вес и солидность, делает его значительным. При этом взгляд зрителя не фокусируется: любая деталь на горизонте очерчена так же резко, как и предмер на первом плане.

      И все же, несмотря на абсолютную обыденность  сюжетов и кажущуюся простоту изображения, многие гиперреалистические  работы проникнуты настроением какого-то напряженного ожидания, так называемого саспенса («беспокойство»). В еще большей мере эта черта присуща концептуальному искусству. 

12. Концептуализм 

      Концептуализм («мысль, представление») возник в середине 60-х годов XX века одновременно в Англии и США и очень скоро сделался ведущим направлением современного искусства. В полемике с торжествовавшим в то время поп-артом, сосредоточенным на предметном мире, концептуалисты утверждали, что единственно достойной задачей художника является создание идей, концепций. Ведь форма может быть выполнена любым ремесленником, но лишь художнику дано придумать ее.

      Концептуализм – искусств интеллектуальное, во многом ироничное. К тому же это своего рода протест против коммерциализации искусств, ибо его произведение невозможно, да и не имеет смысла, продавать и покупать. По представлениям концептуалистов от художника не требуется вечных творений. Главное – передать ощущение настоящего времени. Все же они были заинтересованы в сохранении своих идей, поэтому тщательно документировали их.

      Однако  идее совершенно необязательно замыкаться в выставочном пространстве. Концептуальным объектом может стать пляж, улица, населенный пункт, инженерное сооружение, известный памятник – скульптурный и архитектурный. Зритель, наблюдая за созданием произведения искусства, оказывается его соавтором, а сам процесс становится более важным, чем результат. Этот принцип получил воплощение в так называемом процессуальном искусстве.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 

III. ЗНАЧЕНИЕ АВАНГАРДА В МИРОВОМ ИСКУССТВЕ ХХ ВЕКА 

      XX столетие не только принесло художникам невиданные ранее возможности (прежде всего технические), но и заставила их отказаться от привычного взгляда на мир. Уже в начале века наука пересмотрела большую часть «бесспорных истин» Нового времени. Гуманистические ценности Возрождения и Просвещения больше не служили поддержкой человеку. Теперь он сам должен был защищать их в кошмаре мировых войн и тоталитарных режимов. Достижения прошлого казались бесполезными, и человечество осталось наедине с грозным и таинственным миром, словно в первобытные времена (не случайно огромную популярность в XX веке приобрело доисторическое и примитивное искусство). При этом одни наперекор всему искали выход в продолжении культурной традиции прошлого, другие – в обретении утраченных связей с природой, третьи – в научно-технической революции, четвертые – в нигилистическом самоутверждении… Все это по-своему реализовалось в искусстве. Искусство авангарда помогло художникам и мастерам уйти от реальности, полной войн, революций и переживаний путем использования в своих работах почти несмешанных цветов, геометрических мазков и ломаных линий. За счет этого изображения не казались реальными и не напоминали о событиях в мире.

     Разнообразие  направлений – характерная черта  искусства XX века. В первые его десятилетия многие его мастера порвали со сложившимися художественными традициями. Однако далеко не все модернисты жили отрицанием прошлого: в их творчестве существуют примеры глубоко индивидуального и полнокровного претворения опыта искусства античности и Возрождения. Авангард начала XX века в большинстве случаев восставал против традиционных форм, но был родствен к классике тем, что также стремился творчески воплотить черты материального и духовного мира, - недаром в последнее время его наследие признается равноправной частью мирового искусства. Сложнее дело обстоит с дадаизмом, а также поп-артом и другими течениями 60 – 70-х годов, в которых пересматривались сами принципы творчества и возможность диалога между художником и зрителем. 

     Многие  принципы и методы, которые мастера  использовали в своем творчестве, воплотились и нашли проявление в искусстве современного времени. Так, гиперреализм или фотореализм проявляется в наше время в качестве фотографий, которые есть в каждом семейном альбоме, в каждой настенной репродукции и рекламных щитах. Очень популярны и актуальны боди-арт, кинетическое искусство и другое. Таким образом авангардизм играет большую роль в развитии мирового искусства XX века. 
 
 
 
 
 

СПИСОК

использованной  литературы 
 

      1. Гл. ред. Аксенова М.Д. Энциклопедия Т. 7. «Искусство до Петра Великого». Ч. 2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство XVII – XX веков. - М.: Аванта+, 2003. – 656 с. 

      2. Ионина Н.А. «100 Великих картин». – М: «Вече», 2000. – 512 с. 

3.Сайты: www.bibliotekar.ru/isk/7.htm

             ru.wikipedia.org/wiki/Авангардизм

             www.krugosvet.ru/…/AVANGARD_RUSSKI.html

             www.avangard1.ru/avangard/